jueves, 9 de febrero de 2017

QUICK CRITIQUES XXV - IMPRESIONES FILMICAS

Es temporada de premios y pues estoy en la cruzada de ver varias cintas consideradas, ademas de aquellas ignoradas injustamente que necesitaban mayor atención. Hoy me quiero centrar en unas pocas que captaron mi interés de una u otra manera y espero sean de su agrado estas impresiones.

Muchas gracias por su preferencia.


Silence


En su naturaleza contenida y matizada, es un potente exponente de la rama mas introspectiva y personal de Martin Scorsese. Las cuestiones y contradicciones de la Fe, junto a la hipocresía y limitaciones de las instituciones, son tratados con una minuciosidad orgánica, como era de esperarse. 

Es contundente a su manera y sutil, que recuerda mucho a Kundun, otra obra infravalorada de Martin. No esperaba que por su madurez intima y la de su lenguaje, hiciera algo parecido a La ultima tentación de Cristo, donde era mucho mas visceral en sus cavilaciones. Ahora es elegante y reflexivo, pero con la relevancia y frescura de su anterior visión de Cristo; urgentes en una actualidad cada vez mas desorientada. 

Tal riqueza de contenido va acompañado de un envolvente registro en la imagen. La cinematografía de Rodrigo Prieto es quizás su mejor trabajo hasta la fecha, por un buen quehacer y carente de forzados eufemismos visuales, acostumbrados, a veces, en el empalagoso trabajo de su compatriota Emmanuel Lubezki. 

Es un filme que como la búsqueda personal, va a su ritmo hasta calar y generar respuestas emocionales que tal vez ignorabas. Cumple su propósito. 






Hacksaw Ridge



Diremos lo que sea de Mel Gibson, pero algo incuestionable es su excelsa habilidad como narrador. Tuvo que pasar una década para presentar tal vez su obra mas potente y concreta. Casi es tan buena como mi favorita en su breve, pero rica filmografia, Apocalypto.

Ademas de su profundo conocimiento del lenguaje, posee el tan añorado sello de autor. Se muestra transparente y honesto con sus creencias, aunque sabe como integrarlas al relato sin que perjudiquen la progresión del mismo. Evita restregarnos alguna cargante apología religiosa, nos transmite un sincero relato de Fe bastante verosímil. De acuerdo a lo que es, no se les olvide. 

Claramente percibo una madurez en el tratamiento de sus temas e iconografia, a diferencia del parco proceder en La pasión de Cristo. Gibson va mas allá de plasmar sus arraigados y crudos referentes del catolicismo, consigue adaptarlos a su propia voz y así moldear una experiencia genuina. 

Mediante la travesía de Desmond Doss, Mel nos habla de su renovación personal y quiere compartirla en un paquete contundente. Una muestra de cuidada y sobresaliente ejecución clásica, que comunica lo que pretende.

Que bueno tenerte de regreso. 






Lion



Como toda opera prima tiene sus inconvenientes, por ejemplo cierta oscilación de ritmo al dilatar de más su primera parte y apresurar un poco el desenlace, el cual está bien, pero de impacto menguado. Sin embargo lo compensa el tratamiento correcto de la deriva y vació del protagonista, hasta un re-descubrimiento mas que gratificante para el espectador casual. 

Me encanta que su progresión, en general, intente ser natural; lastima el poco tiempo y desarrollo de los demás personajes y sus apenas decentes interacciones. 

A pesar de todo, se deja ver. Conmueve cuando lo merece, aunque personalmente esta historia necesita, y le beneficia, contarse en un formato documental. Así algunos elementos de su contexto y trasfondos, obviados o acariciados en este indicado acercamiento de ficción, se podrían ahondar más y quizás gestar reflexiones mas comprometidas frente a una desoladora situación social.   





Por
Oscar Cabrera



lunes, 30 de enero de 2017

ARTICULO ESPECIAL - CHRISTINE (2016)

Bienvenidos queridos cinefilos. Quiero compartir con ustedes un nuevo articulo que hice para la plataforma cultural LAAAO (La astilla en el ojo) sobre la película Christine, protagonizada por Rebecca Hall y dirigida por Antonio Campos. Basada en parte de la vida y muerte de la periodista Christine Chubbuck durante los 70.

Espero sea de su agrado y muchas gracias por su preferencia.

Link articulo: https://goo.gl/M8tbdk




martes, 17 de enero de 2017

PODCAST No. 11 - DE CINE Y ALGO MAS/DISTRITO FAN ANIME

Empezamos el año en un nuevo programa con mi gran amigo Fernando Solis hablando de anime. Decidimos esta vez recordar cada uno nuestras canciones de openings favoritas.

Espero sean de su agrado y muchas gracias por su preferencia.

Link podcast: https://www.youtube.com/watch?v=_-mZ3oVXrmQ

Canal de youtube: https://www.youtube.com/channel/UCTLdcALxybXDSBk4XgAK23g

Pagina de facebook: https://www.facebook.com/De-cine-y-algo-m%C3%A1s-Distrito-Fans-175403629239461/?fref=nf





domingo, 1 de enero de 2017

QUICK CRITIQUES SPECIAL - RECUENTO FILMICO

Por fin quedo atrás el 2016 con todos sus daños y júbilos. Entonces quiero iniciar esta nueva etapa compartiendo con ustedes mis ultimas impresiones de diciembre, encontrando cintas memorables e interesantes, como tambien algunas no muy afortunadas.

Sean bienvenidos a la primera entrada del año y !Feliz 2017!

Muchas gracias como siempre por su preferencia.


La La Land


Es magia pura. Así es, todo un vibrante acontecimiento en un panorama fílmico agobiado por sensaciones inmediatas y efímeras.

Las referencias literarias, musicales, televisivas, teatrales e incluso a los comics, se exprimen hasta el hartazgo como ganchos descarados. El homenaje ya no es reconocimiento, ni un estudio duradero de otros contextos e ideas, sino un mero pretexto para atrapar consumidores –de nostalgia mal encaminada a veces- sin contacto con la sensibilidad esencial del acontecer humano.

Damien Chazelle en su tercer largometraje rinde algo más que un sentido tributo al género musical de los años 50 y 60, además de una soberbia relectura del Jazz que tanto amo, cuenta una historia tal como es debido y con personajes que en verdad nos importan; algo ya olvidado hoy en día al parecer. Todo en un balance general sobresaliente entre parcial intimidad y espectáculo.

Por supuesto, está presente la suspensión de la incredulidad por su ejecución convencional, estilizada y cuidada al milímetro; sin embargo el trasfondo, conflictos o dilemas de nuestros protagonistas son cercanos y profundos, según lo permita el relato. Una ejecución tan clásica, como contemporánea en esta personal visión del despiadado entorno del entretenimiento. Honesta y sincera, coherente consigo misma.

En Mía (Emma Stone) y Sebastian (Ryan Gosling), entrañable pareja que emula esa inigualable química de antaño, vemos seres humanos con sus exuberantes virtudes y sutiles fisuras. Un verdadero homenaje hacia aquellos soñadores anónimos que pelean a diario para continuar su travesía personal, a pesar de las inclemencias y escollos de ese gran absurdo llamado vida. Donde no siempre hay desenlaces felices, sino momentos agridulces tan inesperados como trascendentes, sin importar la escala. Es constante y autentica la plasmar todo ese progreso, totalmente identificable.

Fluye con tanta naturalidad que asombra. Desconcierta en buena manera su transición fluida de tonos, del jovial esplendor visual escapista al concreto drama verosímil. Se percibe la entrega, el amor en cada plano, secuencia, situación, diálogo o canción que moldean a estos seres reales y su universo.

Más que refrescante, es una idílica y cimentada pieza sensible. Conmueve con experiencias genuinas, y carente –menos mal- de esas tretas del melodrama artificial, presente en producciones de mayor envergadura. Posee inclusive una intención satírica si indagas un poco entre sus costuras, y que en manos poco inspiradas de otro realizador pudo caer en lo edulcorado y soso, o al contrario, ser demasiado mezquina. Ofrece, en síntesis, un tratamiento maduro de sus temas en un lenguaje exquisito, sobra decir otra cosa.

¿Qué hacen todavía aquí? Vayan a ver el nuevo peldaño de un autor comprometido, diría enamorado de lo sublime en la manifestación artística y lo que esta conlleva. Whiplash capto mi atención, ahora soy tuyo Damien.








Rogue One: Una historia de Star Wars



Para cambiar un poco la dinámica, iré mencionando por puntos mis impresiones del filme:

1. Gareth Edwards se redime con creces en una dirección ejemplar, donde se preocupa por contar una historia madura y directa para lo que pretende decir, mas allá del mero espectáculo engorroso y vacuo en que se vio sumida la franquicia últimamente. Tenemos un relato bélico bien manejado y algún que otro comentario político acertado y sutil.

2. El enfoque de su trama y balance son maravillosos, con un ritmo fluido de continua tensión. Lo que pasa en pantalla si es interesante, incluso se atreve a dar un final agridulce y creíble muy agradecido, de acuerdo a lo que es. Tiene ese sentido de urgencia que se había perdido, ademas de una insinuada ambigüedad ética intrigante.

3. Los personajes, aunque meros arquetipos e individualmente no son muy acabados, su interacción como grupo es magnifica. Logre involucrarme con ellos, quería que tuvieran éxito en su misión. Todos con momentos emocionales conseguidos sin recurrir a diálogos tan idiotas (te estoy viendo George Lucas) o sentimentalismos artificiales redundantes (ahora es para ti J.J Abrams). Felicity Jones y Diego Luna tienen cierta química y los demás como Donnie Yen o Forest Whitaker cumplen. Armonía estimable. 

4. Posee encuadres de latente magnificencia y belleza -algo que parecía faltar hace tiempo- y un montaje funcional. Su tono esta bien, impacta, pero me hubiera gustado ver la versión que tenia pensada originalmente Edwards, aunque esta es muy buena. Propensa a lo cursi, mas solo roza y es un alivio. 

Por lo tanto, es la mejor película de TODA la franquicia. No exagero, de TODO su universo fílmico, que se considere canon ahora por supuesto. Las anteriores tienen algún que otro momento memorable y potente, pero en conjunto rara vez funcionan por detalles. El imperio contraataca es la mas sobresaliente. Esta es completa, una experiencia total de inmersión que en verdad recomiendo, tanto para el fan como al casual. 







Sully


Seré directo, uno de los últimos narradores clásicos regresa con un relato que no va mas allá de lo correcto. Muy por debajo de su habitual contundencia y complejidad, siempre en historias aparentemente sencillas, aunque universales. Cuyo estilo desmitificador de realidades y personajes se ha diluido al pasar los años en obras parciales, bien filmadas y contadas sin duda, pero carentes de mayores matices y ambigüedades. Por ello conservo en la memoria excelsas piezas como Bird, hermoso biopic de mi querido Charlie Parker, y claro, tambien mi ferviente deseo de olvidar ese descarado panfleto llamado American Sniper.

Sully es un claro ejemplo de complacencia y sencillo bien quehacer, donde el afán de recreación adecuada subleva la tensión dramática. Los conflictos, con dilemas apenas velados, presentan resoluciones casi mecánicas. Todo es solo adecuado y solvente en la dirección de un Eastwood condicionado, todavía efectivo al captar nuestro interés en un agradable homenaje al capitán Sullenberger. 

Es informativa y amena cuando debe, pero al tratarse de un evento así de increíble, era consecuente un tratamiento mas audaz, y no solo concreto. 

Las interpretaciones cumplen con un Tom Hanks a la altura de las circunstancias, de acuerdo a los rígidos requerimientos de Clint. Aaron Eckhart y Laura Linney lo acompañan sin deslumbrar en el distante devenir de los acontecimientos. De resto la puesta en escena, banda sonora y demás, pues se integran sin mas. 

La verdad no hay mucho mas por decir, va en piloto automático y aunque aterrice sin problemas, sera difícil de recordar la visita. 







Tren a Busan



Un fantástico espectáculo zombie con destacables valores de producción, pero empalagosa en su insistente y forzado melodrama. Las costuras del esquema se notan demasiado, es un quiero y no puedo. 

Al principio me resulto divertido predecir situaciones, actos e incluso diálogos, aunque descrece cuando exagera en sus tretas para conmover al espectador. En lugar insinuar o llevar momentos de forma natural, impone que sentir. Es efectismo sinvergüenza en toda regla hacia lo cursi, eso sí, da instantes buenísimos de comedia involuntaria. Luego te da algo de frustración al recordar esas escenas donde echaron a perder la oportunidad de transmitir critica social bastante relevante; por lo menos los personajes son aceptables y te interesan lo suficiente. Quieres al menos que escapen de la muerte, ojala lo hicieran del blando guion. 

Lo que si es tomado muy enserio, es la creación de la sofocante atmósfera y de los veloces infectados, efectivos y bien logrados en apariencia. Me sacaron una sonrisa como habitual del subgénero e hicieron llevaderos los tropiezos del filme.

Por lo demás tiene un ritmo apropiado de creciente y meditada tensión, lo crucial aquí. Agradezco muchísimo que sea constante en ello, al menos. Fue amena, divertida y olvidadas para la mañana siguiente. 







Por
Oscar Cabrera




lunes, 12 de diciembre de 2016

QUICK CRITIQUES XXIV - IMPRESIONES FÍLMICAS

He aquí la ultima entrada del año y aun mas interesante es terminar con dos piezas animadas, ambos regresos de directores renombrados en aventuras muy singulares.

Así que sin mas preámbulo, comencemos...

¡Felices Fiestas!


Your Name



Makoto Shinkai es de esos afortunados animadores que posee un sello muy propio, aparte si funcionen o no sus relatos. 

A veces va hacia lo fantástico y otras a lo cotidiano, con buenos resultados en cada uno y para la muestra están 5 Centímetros por segundo o quizás su real obra maestra, El Jardín de las palabras. Sin embargo en sus intentos de mezclar ambas no es muy afortunado, pues no consigue un balance ideal entre conceptos dispares, y tal desarrollo resulta forzado e irregular, basta recordar la fallida Mas allá de las nubes, tierra prometida. Al menos siempre agradezco que muestre la disposición de experimentar con otras formas narrativas y no solo deslumbrar en su ya meticuloso cuidado estético. Cada pieza es un deleite visual. 

En otras palabras, cuando coquetea con géneros como la ciencia ficción, sus ideas quedan en la superficie; pero es imposible negar que en su tratamiento del drama humano logra momentos realmente genuinos de cierto roce realista. Los dilemas y conflictos no siempre tienen una resolución inmediata, son ambiguos y agridulces, casi una constante en su personal filmografia. 

Ahora, cuando hablamos de su mas reciente trabajo, vemos esta vez a un Shinkai complaciente y funcional en el manejo tan convencional de su lenguaje. Demasiado correcto en su ejecución con apenas esbozos de ingenio. Irónicamente es su metraje mas fluido y concreto, de fácil digestión, aunque de autoria algo disuelta. 

Por supuesto, es una muy buena cinta y cumple con transmitir lo que pretende, ademas por fin calibra esa unión entre las relaciones (Romance juvenil) o introspecciones con situaciones extraordinarias (Viajes en el tiempo). No obstante, al ir tan sobre seguro, carece de elementos que la destaquen o siquiera la convierta en algo tan memorable como sus anteriores aventuras, en verdad suyas. 







Moana



Si lo vemos en retrospectiva al navegar por su filmografia, es realmente un trabajo adecuado de John Musker y Ron Clements, aunque sin alcanzar enormes picos. Es quizás una bella síntesis de sus temas o constantes. 

Aun así posee esos momentos tan conmovedores y auténticos, como tambien singulares. Siempre acordes y bien distribuidos entre la tradición musical o las sutiles referencias pop (Hercules, Aladdin, etc.), ya patentadas por la corporación del ratón. 

No acaricia la perfeccion como en La Princesa y el sapo o la infravalorada El Planeta del tesoro, pero obtiene lo que deseaba en una efectiva aventura, con instantes de contundente introspección, marca registrada del dúo dinámico responsable de La Sirenita, el ya legendario renacimiento de Disney. 






Por
Oscar Cabrera



martes, 29 de noviembre de 2016

PODCAST No. 10 - DE CINE Y ALGO MAS/DISTRITO FAN ANIME

Regresamos con otra entrega del programa acompañado de mi gran amigo Fernando Solis y esta vez hablamos sobre nuestros placeres culposos en el anime, abriendo nuestros corazones y siendo sinceros con ustedes.

Espero les guste y muchas gracias por su preferencia.

Link podcast: https://www.youtube.com/watch?v=jVc7IS3vwtM

Canal de Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCTLdcALxybXDSBk4XgAK23g

Pagina en Facebook: https://www.facebook.com/De-cine-y-algo-m%C3%A1s-Distrito-Fans-175403629239461/?fref=nf





miércoles, 9 de noviembre de 2016

QUICK CRITIQUES XXIII - IMPRESIONES FILMICAS

Casi termina el año y ando organizando cada día mi lista de lo mas destacable o memorable. Quizás o no estén las siguientes piezas en ella, pero fueron muy interesantes, a su manera, durante los últimos días. 

Como siempre bienvenidos a este espacio con mis primeras impresiones y muchas gracias por su preferencia. 


In a Valley of Violence



Un disfrute solo del momento, con un humor absurdo y negro que funciona en ocasiones. Todo un divertido homenaje al Spaghetti Western que aprovecha en rigor, e incluso con cierto ingenio, situaciones de la serie B mas simpática.  

Lo tópicos y arquetipos están cortados con buena tijera, sin renovar en ningún momento el patrón de toda la vida, aunque se nota el cuidado al ejecutarlos de la mejor manera. Eso sí, le doy puntos extra por la buena presentación del protagonista de trasfondo creíble y bien encaminado de acuerdo, claro está, al peculiar producto. 

Ti West al dirigir exhibe el conocimiento y un hábil manejo de los tonos, pues consigue equilibrar de intrigante complejidad con algunas secuencias tan ridículas.

Ethan Hawke como siempre cumple, y John Travolta es igual de hilarante cuando no se toma muy enserio. Hacen que el entretenimiento en general valga la pena, luego de esfumarse como el licor.






Doctor Strange 



Totalmente esquemática en cuanto a construcción y desarrollo de personajes (arquetipos). Apegada a su formula y a los efectismos según sus apenas correctos argumentos e ideas, por supuesto con el toque Marvel mas que probado. Van a lo seguro por esas áreas y en una síntesis significativa del viaje del héroe, aunque esa economía narrativa esta bien pensada. 

Dicho lo anterior, lo compensa su profusa creatividad visual. Es una inquisitiva y perspicaz experiencia sensorial, muy cuidada en servicio, no por encima, de la historia. Sus secuencias serán referentes garantizados mas allá de lo fílmico, recompensa para una obra realmente meditada. 

Logra ese tan anhelado e inteligente balance entre espectáculo y sustancia en dosis inteligibles. Ademas posee estilo y un cierto ímpetu de Scott Derrickson, su director, que por fin anota un home run en su segunda oportunidad ante un blockbuster -por fin olvidamos ese remake espantoso del clasico por Robert Wise- y tal como James Gunn con Guardianes de la Galaxia, aprovecha bajo las limitaciones del estudio sus componentes y moldea algo con identidad. 

Todos los pedazos, formas o ángulos encajan, se mueven con fluidez en nuestro tiempo y espacio en la butaca. Guiados por la magnifica partitura de un Michael Giacchino inspirado. 

Un trabajo de encargo llevado con solvencia, pero al equiparar con otras adaptaciones, esta si consigue la trascendencia. 






Por
Oscar Cabrera


martes, 8 de noviembre de 2016

ARTICULO ESPECIAL - LOCOMOTION

Para La Astilla en el Ojo (LAAAO), decidí escribir un sentido homenaje al desaparecido canal Locomotion, todo un referente audiovisual transgresor en su momento, ademas de contar que su equipo original ha regresado.

Muchas gracias por su preferencia y ojala apoyen la causa.

Link articulo: http://laaao.com/locomotion-fascinante-fecundo-resquicio-vida/



martes, 1 de noviembre de 2016

lunes, 31 de octubre de 2016

MIS SOUNDTRACKS FILMICOS 14 - SERIES ANIME Vol. 3

Luego de mucho tiempo y celebrar el aniversario del blog, he aquí otra entrega de esta selección musical en lo audiovisual. Hoy traigo la tercera parte de mis piezas favoritas en series anime con mucho aprecio.

Así que acomódense y preparen sus oídos...


Saga Monogatari

Basado en las novelas visuales de Nisio Isin e Ilustradas por Vofan
y dirigidas por Akiyuki Shinbo

Canciones

Futakotome por Chiwa Saito (Arco Nisemonogatari)


Marshmallow Justice por Eri Kitamura (Arco Nisemonogatari)


Kieru Daydream por Marina Kawano (Arco Nekomonogatari: Kuro)


Orange Mint por Saori Hayami (Arco Tsukimonogatari)


Kogarashi Sentiment por Chiwa Saito y Miki Shinichiro (Arco Koimonogatari en Monogatari Second Season)






Aku no Hana (Las Flores del mal)

Basado en el manga de Shuzo Oshimi y dirigido por Hiroshi Nagahama

Canciones

Aku no Hana por Uchujin


A Last Flower por ASA-CHANG y Junray






Subete ga F ni naru (Todo se convierte en F)

Basado en la novela de Hiroshi Mori y dirigida por Mamoru Kanbe

Canciones

Talking por KANA-BOON


Scenarioart por Nana Hitsuji


Full OST por Kenji Kawai






Están Arrestados (Taiho Shichauzo)

Basado en el manga de Kosuke Fujishima

Canciones

Love Somebody (Narita Airport Version) por Mariko Fukui


Boku de Aru Tame Ni por Takako Shirai (Letra)





Fate Zero

Basado en la novela visual de Gen Urobuchi y dirigida por Ei Aoki

Canciones

To the beginning por Kalafina


Oath Sign por LiSA






Flag

Dirigida por Ryousuke Takahashi y escrita por Toru Nozaki

Canciones

Lights por Eri Nobuchika






Puella Magi Madoka Magica

Escrita por Gen Urobuchi y dirigida por Akiyuki Shinbo

Canciones

Full Ost por Yuki Kaijura


Connect por ClariS


Colorful por ClariS


Magia por Kalafina





Freedom

Diseñado por Katsuhiro Otomo y dirigido por Shuhei Morita

Canciones

This is Love por Hikaru Utada






Muchas gracias por su preferencia y nos vemos en otra ocasión. 

Hasta pronto.

sábado, 29 de octubre de 2016

QUICK CRITIQUES XXII - IMPRESIONES FILMICAS

Como siempre los recibo con un gran abrazo mis queridos cinefilos. He aquí de nuevo para compartir mis impresiones sobre lo que he visto últimamente y para hoy les tengo un documental muy particular sobre el estado el llamado "Arte" contemporáneo y la adaptación de la novela de Paula Hawkins dirigida por Tate Taylor, La chica del tren.

Así que pónganse cómodos y gracias por su preferencia.


La chica del tren



Es un Thriller al uso. Ejecuta de manera efectiva los trucos del suspense en el manual, pero se percibe limitada y con potencial innato desperdiciado frente a su principal tema, la alienación y degradación por la inequidad de genero. Un velado discurso que daba para mas. 

Claro, con expectativa media, resulta en un ejercicio correcto de buen pulso y constante narrativa, aunque sin matices en el mediocre tratamiento de su elenco. Obviamente quien sostiene el débil relato es Emily Blunt, quien ofrece un trabajo conseguido a pesar de lo elemental de su personaje; por lo demás un desfile de seres casi unidimensionales (estereotipos) de parcial mirada. Algo de ambigüedad no hace daño, e imagine... ¿Que tal si Fincher estuviera involucrado?

Tate Taylor en su dirección cumple con dar una experiencia fluida y hasta cierto punto envolvente, por su puesto si eres permisivo con los contados giros evidentes y las conveniencias. Al menos pasas un buen rato dejándote llevar y no tomarla tan enserio. 

El desenlace resulto divertido -dudo que fuera intencional- por su acercamiento a los terrenos de la serie B, sin embargo resulta muy complaciente, tal como la cinta en su conjunto. 

P.D: tambien vi Inferno de Ron Howard y llegue a similares conclusiones, así que era innecesario hablar de ella; con esta basta. 






El espejo del arte



Tiene apuntes interesantes e incluso genera concretas preguntas, pero en ejecución no pasa de ser irónicamente ingenua y algo desigual en el tratamiento de sus conceptos 

Admito que me agrado ocasionalmente, a pesar de volverse en momentos redundante. Sin embargo posee ideas y percepciones poderosas que funcionan, algo diluidas, aunque llegan. 

Falta pulir y a veces es demasiado parcial. Claro, todo documental lo es, no obstante toda fuente de información y pensamientos (entrevistas o referentes visuales) deben recibir razonable exposición en justas condiciones; sin importar que tan personal sea el enfoque. Por lo demás es fluida y ocurrente -nunca ingeniosa- por instantes.  

Eso sí, jamas deja indiferente y siempre falta un buen golpe para sacudirnos del letargo. Se deja ver y como sencilla introducción critica es decente. Invita a indagar mas en aquellos rincones cuestionables e incómodos del arte contemporáneo.  





Por

Oscar Cabrera




martes, 25 de octubre de 2016

jueves, 13 de octubre de 2016

QUICK CRITIQUES XXI - IMPRESIONES FILMICAS

Llegamos a las 21 entregas y en serio gracias por su preferencia al leer las modestas impresiones de su servidor. Quería celebrar esto con dos cintas que he esperado por mucho tiempo y han sido experiencias satisfactorias. Primero comentare el regreso de mi apreciado Paul Verhoeven y luego lo mas reciente de Tim Burton.


Elle



Ambigua, provocadora, cínica y corrosiva. Es el Verhoeven que tanto extrañaba, quizás uno de los pocos que siempre supo diseccionar lo escabroso del ser, sin cortesías ni atenuantes.

Es el mismo Paul descarado y lucido, pero ahora notas cierta madurez en el tratamiento de sus temas. Su personal psicoanálisis del sexo ligado a la violencia adquiere mayores dimensiones hacia rincones e individuos realmente incómodos y repugnantes. 

Limpia la empañada superficie roída de la exánime moralidad contemporánea, y todos sabemos que pasara con las represiones. Todo en personajes con precisos roles y trasfondos firmes. Desconcierta al casual, pero al adentrarnos gradualmente vemos reflejos que tal vez algunos quieran ignorar. 

Es necesario esta clase de golpe fílmico ante el pasivo publico para la real polémica con sustento. Y como siempre digo, sabemos agradecerlo. 

Que bueno tenerte de regreso Paul. 







El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares



Es Burton en piloto automático, pero tiene algún que otro pasaje o momentos que funcionan, a pesar del guion desigual de encauce tardío. 

Falto concretar personajes y situaciones, aunque es disfrutable por la correcta inmersión. Es efectiva en un conjunto digerido de las constantes temáticas y estéticas de Tim. Tiene contados toques agradables e hilarantes que son bien recibidos.

Eso sí, desaprovecha el contexto bélico y una huella interior mas rica en estos seres, marginados y entrañables como su director, aquel que aun lucha contra la muerte... de la inocencia. 

Asa Butterfield, su nuevo alterego, es apropiado y Eva Green deslumbra como su renovada musa. Pero quien se roba el show es Samuel L. Jackson, como siempre. 

Se deja ver y cumple, apenas. 


 



Por
Oscar Cabrera