CLÁSICO - LA ESTRATEGIA DEL CARACOL - CRITICA

Dirección: Sergio Cabrera

Guion: Humberto Dorado, Ramón Jimeno y Sergio Cabrera

Género: Comedia dramática

País: Colombia

Año: 1993

Serán desalojados los inquilinos de ‘La casa Uribe’, una antigua edificación con potencial económico para el Dr. Holguín, un sujeto adinerado que la reclama. Sus habitantes logran prolongar el desahucio gracias a las trabas legales que pone un hábil abogado de apellido Romero, y por supuesto, a las radicales ideas de un hombre mayor con inclinación anarquista llamado Jacinto. Ambos, junto a los singulares ocupantes del hogar, planean una ingeniosa estrategia para proteger su escaso patrimonio además de preservar algo esencial, su dignidad.  

Haciendo un recuento de algunas entregas del cine nacional, algunos adeptos cinéfilos tal vez descubran que su catalogo de personajes no posee suficiente carisma, una ética inamovible, o señas de identidad para ser entrañables. Ahora, abordando esta propuesta de Sergio Cabrera -que en mi opinión se ha mostrado siempre como un director solvente- nos preguntamos por qué jamás se le da alusión a los particulares individuos en el universo del film. Me lleva por ello a exaltar el trabajo actoral como pilar fundamental de la cinta, cuyas interpretaciones están maravillosamente construidas con motivaciones concretas; apreciando personas mas allá de la verosimilitud fílmica que permite adentrarnos cándidamente en sus instantes íntimos de acuerdo a nuestra disposición emocional e ideológica como espectadores. Haciendo viable nuestra identificación hacia una afinidad compasiva rara vez vista sin apelar al gastado paradigma melodramático.

Lo anterior mencionado repercute positivamente en un ritmo narrativo constante, con escenas determinantes por la intensidad de los intérpretes y su relevancia total durante el devenir de los acontecimientos. La historia es sencilla pero se agradece lo bien pensada, hilvanada y desarrollada que está, consiguiendo transmitir esa calidez humana carente de casi toda orientación moral efectista.

No puedo develar el mensaje crucial, pero comentare lo sobrio de su lenguaje por un montaje óptimo y conciso, abonando un trabajo de cámara pulcro que no deja nada al azar y acompañando a un narrador intradiégetico más que jovial. Sin embargo en el desenlace queda sobrando –relativamente- un diálogo en off que arrebata la impresión del encuadre usado.

Concluyendo, Cabrera dirige sólidamente un afable relato sustentado en actuaciones inspiradas, como las de Frank Ramírez o Vicky Hernández. Creando una obra redonda a la par de ‘Golpe de Estadio’ e ‘Ilona llega con la lluvia’.

Por OSCAR CABRERA

 Película completa

ESTRENO TARDÍO - SIDE EFFECTS (EFECTOS SECUNDARIOS) - CRITICA

Dirección: Steven Soderbergh

Guion: Scott Z. Burns

Género: “Drama” – Se transforma durante el metraje.

País: EE.UU

Año: 2013

Nos introduce en la existencia de Emily, una joven mujer que aparentemente sufre depresión clínica. Su aflicción se magnifica cuando su marido es liberado de prisión después de cuatro años, enfrentándose a la presión de hacer funcionar su matrimonio; por ello recibe consulta de un psiquiatra que decide recetarle un nuevo medicamento para controlar la ansiedad. No obstante surgirán cambios al revelarse hechos que podrían afectar incluso la psico-farmacología norteamericana, o tal vez más.

En lo transcurrido del año pasado y en parte de este, fueron contadas las ocasiones donde he sido gratamente sorprendido con algún riesgo narrativo, o al contrario, un agradable y nada pretencioso relato con el sencillo propósito de entretener, sin llegar a subestimar al resto del auditorio. Ahora me siento no solo animado, sino agradecido por haberme dejado sumergir en una experiencia balanceada que sorprende, pero que podemos seguir continuamente evitando caer en el tedio.

Steven Soderbergh siempre ha gozado de cierto apoyo mío como cinéfilo por su fructífera y heterogénea filmografía, a pesar de que algunas propuestas suyas no funcionaran. Sin embargo mi interés por el recae en que siempre está dispuesto a proponer, sean nuevos cauces estéticos, mezclas de géneros, o renovar arquetipos; articulando bien estos elementos con el fin de dotar mayor vastedad psicológica y narrativa. Este reciente trabajo ha sido confirmación de esa permanente búsqueda desde su funcional opera prima “Sexo, mentiras y videocintas”, al plantear inicialmente cierto conflicto y luego casi ignorando los efectismos, da un giro sutil para convertir el devenir de los acontecimientos dramáticos en un thriller bien construido y llevado. No deslumbra totalmente, claro está.

El guion delinea gradualmente sus personajes hasta que progresen naturalmente, siendo encarnados por intérpretes que si han comprendido las motivaciones de sus roles, beneficiando a la fluidez y congruencia de la historia. Scott Z. Burns escribe un texto de aparente sencillez, pero de complejidad necesaria, mas no profunda, al tocar aspectos como la depresión y la distorsión de la psiquiatría en relación a sus establecimientos, límites éticos y mala praxis. Pretendía ser una indagación -jamás una reflexión-  de la faceta más cuestionable o desagradable del proceder humano, aunque solo queda en tenues momentos de tensión algo plana y contados diálogos afortunados. Al menos el conjunto esta mejor compuesto que el anterior argumento desmedido de Burns “Contagio”, también dirigido por Soderbergh.

El director recurre a sus frecuentes desenfoques de lente y delicada luminosidad para enfatizar en la expresividad de sus actores, los cuales mencione estaban correctos.  Jude Law –siempre infravalorado, pero  tiene interesantes papeles- y Rooney Mara -que en su contenida labor transmite- cargan favorablemente con el peso del film. Los demás cumplen como refuerzo al justificar las dimensiones de los destacados. 

Por OSCAR CABRERA

EL VUELO (FLIGHT) - CRITICA

Dirección: Robert Zemeckis

Guion: John Gatins

Genero: Drama

Año: 2012

País: Estados Unidos

Whip Whitaker es piloto de aviación con antecedentes de alcohol y drogas, por ello tendrá un día tempestuoso para trabajar. Su vuelo no demora en presentar turbulencias muy violentas, cuando súbitamente aparecen extraños fallos mecánicos que probaran sus habilidades de maniobra. Sorprendentemente logra aterrizar con la mayoría de los pasajeros vivos, no obstante surgen preguntas sobre el suceso cuestionando su lucidez, hasta el punto de lidiar con la carga interior que lo flagela.

Paso demasiado tiempo, a mi parecer, desde la última vez que Zemeckis nos cautivara en historias increíbles, como reírse de la vida después de morir o las estrambóticas consecuencias de viajar por el tiempo; dedicándose recientemente a crear animación con resultados dispares. Ha regresado a la acción en vivo recargado, aunque mesurado en sus pretensiones.

Los efectismos del lenguaje son latentes, pero están bien llevados en una narrativa constante al  relatar una redención nada forzada de esta alma desolada. La necesidad de evadir sus problemas se plasma en forma natural.

Hay un considerable balance entre el drama con diálogos concisos e inclusive significativos y los instantes graciosos para la progresión de los personajes, incluso dilemas éticos, o confrontaciones espirituales con ironía apaciguada. Sin embargo la renovación del protagonista se siente en lapsos rutinaria por lo convencional de su tratamiento, aun así funciona sin deslumbrar. Levantándose la cinta en la lucha contra las tribulaciones e insinuaciones sobre la fe sin epifanías, sin perder verosimilitud en un guion solido y funcional. Las situaciones e interacciones te recuerdan por momentos al trabajo del maestro espiritual de su realizador, Steven Spielberg.

La secuencia del accidente es brillante en su montaje y trabajo sonoro, creando real conmoción al espectador. Ciertas escenas resonaron en mi inconsciente cinéfilo, trayendo a colación la labor vibrante de Martin Scorsese por el uso de la música con valor expresivo. Es decir, extradiegesis culminante en planos bien logrados y un estilo que aquí no perdurara mucho en la retentiva, tal vez al carecer de un sustento simbólico, o sentimental más solido.

Las interpretaciones actorales están construidas óptimamente, algunas desaprovechadas por la excesiva pero necesaria exposición del meollo argumental, hasta Denzel Washington como principal sale afectado levemente al sentirse limitado por las circunstancias fílmicas; ahí es donde encuentra contrapeso en la chica encarnada por Kelly Reilly, que se esfuerza por salir de sus adicciones y sirviendo  como complemento ideal. Ambos cimentan herramientas emocionales para manejarse en el contexto sin manipulaciones melodramáticas, apelando anteriormente a estas su director en ‘Forest Gump’. Ella firme y una cadena de eventos enfatizara el autoengaño que lo enfrentara con su miseria personal.

Agradezco el apropiado ritmo que involucra, sin hacer la experiencia inolvidable. Espero que Robert vaya recuperándose paulatinamente para mejorar aun más, después de tan agradable retorno. 

Por OSCAR CABRERA 

AVISO

Ademas de este blog, podrán encontrar otras reseñas mías en el diario web español "El librepensador". Ojala les gusten.

Link: http://www.ellibrepensador.com/author/oscaralejandrocabrerasanchez/

Muchas gracias por su atención y preferencia.

CLASICO - BARRY LYNDON - CRITICA

Guion y Dirección: Stanley Kubrick

Género: Drama

País: Reino Unido

Año: 1975

Basado en la novela de William Makepeace Thackeray.

Relata el ascenso y caída del irlandés Redmond Barry dentro de la alta sociedad inglesa para convertirse en Barry Lyndon durante el siglo XVIII. Un recorrido revestido de actos y sucesos más infortunados que afables, hasta una amarga resolución.  

Un Kubrick ecléctico de los setentas quiso descansar del estruendo alegórico y mediático de su magnifica naranja, la cual por su naturaleza transgresora fue corrosiva para el individuo conservador promedio de esa década. Por ello nos brindo un viaje fílmico de lirica contemplativa e implícita en planteamientos, cuya sutileza se sostiene.

Provista de un arduo preciosismo en sus encuadres, tuve reminiscencias estéticas hacia obras pictóricas de la época cuando utiliza acercamientos del zoom, aplanando la toma. Doy mención honorifica al empleo de las cámaras BNC Mitchell con los lentes especiales Zeiss, conseguidos astutamente de la NASA para las escenas nocturnas en vela y así proyectar más credibilidad.

Su director es implacable con los personajes al hilvanar destinos nada complacientes, pues progresan de acuerdo a la repercusión de sus decisiones, depende ya del espectador juzgarlos, o acondicionarlos a sus confortables valores. Redmond Barry es un tópico dentro de los protagonistas del universo Kubrick, un vehículo corruptible para reflejar una condición humana cuestionable, sin embargo ausente de cualquier juicio moral; mostrándolo de manera honesta y franca con todo el potencial positivo, como también en su vulnerable orientación existencial.

El humor negro recurrente posiciona la innata fragilidad del ser, complementada con los minuciosos y cuidados planos de extenuante trabajo compositivo. No más es ver ciertos travelilings paralelos, paneos depurados u otros ángulos clásicos de cámara efervescentes para obtener vitalidad expresiva.

La establecida ética intrínseca permite que el conjunto sea relevante actualmente, siendo universal en mensaje y trasfondo social. Otras piezas de época lo intentan y fracasan, contadas veces aclaro, pero esta sobresale por la atención al detalle, fluida narrativa concisa y apartar los efectismos sentimentales. Nada perecedera en su impacto hasta el melancólico final, luego del concreto abanico de emociones.

Algunos percibirán tediosa la cinta por su ritmo, no obstante con la correcta disposición anímica serán envueltos por una travesía vital provista tanto de escollos, o júbilos indescriptibles sin tapujos. Realmente intensa y verosímil, estableciéndose en mi grata opinión como el trabajo más completo de Stanley Kubrick.

Por OSCAR CABRERA

CULTO FÍLMICO - FORBIDDEN ZONE (LA ZONA PROHIBIDA) - CRITICA

Dirección: Richard Elfman

Guion: Richard Elfman, Matthew Bright, Nicholas James, Nick L. Martinson

Genero: Comedia/Fantasia/Musical

Pais: EE.UU

Año: 1980

Francamente es innecesario intentar explicar su “historia” pero ahí les doy lo básico, la atípica familia hércules se traslada a su nuevo hogar en California. Frenchy, la hija menor, se aventura a la bodega trasera donde encuentra una puerta. Abriéndola descubre el trecho a la sexta dimensión habitada por personajes extraños y donde pasan sucesos aún más raros.

Estrambótico, delirante y dadaísta vehículo de lucimiento para Oingo Boingo, grupo musical liderado por Danny Elfman, en su etapa pre-Burton, que eran bastante experimentales al condimentar art punk, ska, jazz, o rock. Imprimiendo una fantástica banda sonora a un metraje osadamente dirigido por el hermano de Danny, Richard.

No esperen algún tipo de sensatez o coherencia, aquí tenemos una antología de lo absurdo muy disfrutable, cuya línea argumental dispersa sirve de mera excusa para mostrarnos una sátira social con extravagantes referencias contraculturales características del estilo pop.  

Si queremos etiquetar esto, digamos que es una “comedia musical”, aunque sería ridículo clasificar semejante  desmadre repleto de genuino carisma, en verdad me encantó lo bien que se mantiene al avanzar, jamás se torna aburrida y la riqueza alegórica es hilarante. Tan desinhibida para su momento que no necesita dar explicaciones, solo plasmar los fenómenos de su tiempo en una atrevida ejecución. Sin embargo su encanto la vuelve atemporal por los simbolismos alusivos y bastante directos al sexo, la religión, el consumo, el totalitarismo capitalista, etc.

Totalmente exagerado y bizarro su conjunto por la estética tan conseguida, que proyecta aún más los chistes aleatorios e inclusive gamberros. El diseño teatral  y ciertos recursos como sus fantásticos segmentos animados con una que otra toma en stop-motion en los actores, son destacables sin opacar lo demás. La puesta en escena y el tono actoral me recuerda por momentos a la sabrosa ‘Desperate living’ de John Waters.

Es innegable que las interpretaciones parecerán pésimas, pero cumplen al  burlarse del contexto e Incluso las coreografías musicales son un perfecto contraste por lo dinámicas y complejas que son. ¡Por dios, las canciones son estupendas!

Definitivamente un espectáculo alternativo con todo el potencial para convertir una tarde convencional, en un goce desenfrenado para los sentidos. A veces la razón esta sobrestimada,  solo dejen los tabúes impuestos y sumérjanse en la zona prohibida.  

Por OSCAR CABRERA

AMOUR - CRITICA

Guion y Dirección: Michael Haneke

País: Austria/Francia/Alemania

Genero: Drama

Año: 2012

Anne y Georges son una pareja de músicos retirados que se dedicaban a la enseñanza. Una tarde amena ellos desayunaban conversando sobre un concierto al cual asistieron la noche anterior, de repente Anne no reacciona, mirando al vacío. Después del episodio catatónico se somete a una operación que presenta complicaciones, dejándola con Hemiplejia derecha. Georges entonces debe hace todo lo que pueda para cuidarla mientras la salud de su mujer se deteriora cada vez mas.

Michael Haneke ha sido el único realizador hasta la fecha que me hace decir el siguiente oxímoron: Serenidad inquietante. Diría que es mi etiqueta personal para referenciar sus sobrecogedores retratos sobre aptitudes humanas totalmente viscerales, carentes de algún tónico moral apaciguador.

A diferencia de sus anteriores trabajos donde exploraba tajantemente lo turbador y alienante del individuo, para la muestra ‘Caché’ o ‘Funny games’,  aquí decide tomar calma y  sondea verazmente una conjetura que todos hemos tenido la osadía pretenciosa de pensar, la incertidumbre del envejecer. Plasmada casi traspasando la ficción fílmica con un realismo desgarrador que seria pretencioso siquiera imaginar o cavilar incluso. Lo digo porque anonadado  recapacitaba la irresponsabilidad que afrontaría si hablara del adulto mayor siendo yo tan joven.

Su conseguida narrativa pausada de alargados planos sencillos, ya como estilo afirmado en Haneke, solo genera continua impotencia ante lo contemplado. El desasosiego se convierte en escozor emocional gradualmente, con cortes entre tomas que dejan pasmado al espectador adrede. Las transiciones son prescindibles para un director en plena conciencia del desolador panorama sentimental y las barreras ajenas a la dupla protagonista.

Un existencial relato con escaso analgésico contra un dolor más allá de la carne, que tiene un desenlace tan amplio y subjetivo como la vida misma. Fortalecido en escenas meditadas nada superfluas. Por ello háganse un favor mis queridos lectores, al concluir este ultimo párrafo vayan al cine o busquen su formato casero predilecto y déjense llevar.

Por OSCAR CABRERA

EL ORIGEN (INCEPTION) - CRITICA

Guion y Dirección: Christopher Nolan

Genero: Ciencia Ficción/Acción/Thriller

País: EE.UU

Año: 2010

Dom Cobb es un experto “extractor”, cuya tarea consta en introducirse al inconsciente ajeno  por medio de los sueños para tomar algún secreto esencial. Su habilidad es muy codiciada en el espionaje corporativo, aunque se le presenta un obstáculo en el último trabajo, la proyección de su esposa fallecida que estropea todo hasta una nueva misión. Ahora él y su socio Arthur reúnen un equipo para algo diferente, implantar una idea en el heredero de un imperio comercial para que lo desmantele y así beneficiar al contratante. Sera una intrincada odisea.

Estamos ante el compendio definitivo del estilo Nolan, solo que moldeado y dulcificado para la comodidad de un gran estudio. Por supuesto, encontramos una cavilación psicológica correcta con  germinación y catarsis, pero termina sublevada al espectáculo inteligente cuyo tono se mantiene a pesar del intergenero que maneja. Es decir, que al ser una especie de Heist-movie onírica, los conflictos entre y dentro de los personajes se plantean bien, no obstante su manejo pudo ser más profundo al definirlos un poco mas.

Cobb sufre un continuo detrimento psíquico estructurado y llevado por un motivo solido, pero las abstracciones simbólicas que pretenden sustentar su culpa con probable confrontación no son particulares, viendo conceptos generalizados en el consciente colectivo del espectador. Por la falta de elementos para formar una mejor identidad, dificulta que sea entrañable para sentir su progreso en el sueño, o también su realidad cuya línea es difuminada sin paliativos, lo cual se agradece. Si dejara el acondicionamiento por un presupuesto elevado, construiría un carácter tan vasto que haría enorgullecer a Kafka, teniendo presente la fascinación de su director por personajes afligidos. Mostrando mayor esplendor turbio en previas obras como ‘Memento’ o ‘Following’.

Las demás interpretaciones son indicadas de acuerdo al entorno, es incuestionable que nos sumergimos en los sucesos bien pensados gracias al guion dinámico y extensamente explicativo, equilibrado también con impacto visual y metafórico. Su eficaz lenguaje es comprendido e incluso algo simplificado para concretar sensaciones genuinas e independientes del dialogo expositivo. En otras manos seria propenso a lo evidente.

El ritmo de los niveles sumergidos en la prolongada siesta tiene solemne fluidez, donde la vigorosa acción esta remarcada fantásticamente por una apariencia sofisticada en su diseño de producción y embellecida por el operador Wally Pfister. Solo diré que tiene la más disfrutable secuencia en gravedad cero que he visto, dejando en segundo plano la licencia narrativa que no ahonda en los sueños compartidos y su tecnología.

Por OSCAR CABRERA

LOS MISERABLES (LES MISÉRABLES) - CRITICA

Dirección: Tom Hooper

Guion: William Nicholson

Genero: Drama/Musical

País: Reino unido

Año: 2012

Basado en la obra de Victor Hugo y en la adaptación para el teatro musical.

Sucede en 1815. Jean Valjean es puesto en libertad condicional tras cumplir una condena de diecinueve años. Recibe solo  rechazo por su pasado de convicto, excepto de un obispo que le ofrece refugio y alimento. Mas adelante Jean traiciona su confianza robando varios objetos de plata; cuando las autoridades lo capturan, el obispo miente diciendo que él se la regaló. Avergonzado Valjean se compromete a iniciar una nueva vida bajo otra identidad.

Pasan ocho años y él se ha convertido en propietario de una fábrica, además de ser alcalde del poblado donde habita. Se cruzara luego con una mujer llamada Fantine que vela por su hija Cosette, viéndose involucrado en varios acontecimientos que lo cambiaran completamente.

Me topé con unas pocas escenas bien llevadas emocionalmente que no llegan a lo álgido como requería, pues yo veo un serio problema, exceso. Verán, en un musical para la pantalla son necesarios instantes entre las secuencias de canto para introducir elementos contemplativos de valor reflexivo, o diálogos para formar y desarrollar los personajes. Así se puede congeniar y verlos progresar junto a la narración, para que las canciones fortalezcan esos cimientos de identidad. El escollo radica en que todas las escenas son cantadas, inclusive las letras magnificas que en las tablas funcionaria son casi empalagosas y lo que es peor, afectan las interpretaciones actorales hacia lo superficial. Sentimos la falta de los lapsos de “reposo” para profundizarlas, No obstante jamás he dicho que sea tedioso el conjunto, solo que lo aplana levemente.

De resto puedo sentirme satisfecho con sus virtudes técnicas de la puesta en escena, que no llegan a lo sublime, son apropiadas. Se mira con detalle la intención de querer hacer algo más si nos referimos al lenguaje, con encuadres interesantes que hubieran adquirido mayor huella expresiva por lo indicado al principio sin importar el tono.

Sumergiéndonos en las actuaciones del contexto lirico, son destacables. Mayor impresión y matices se consiguen en nombres como Hugh Jackman mostrando toda su experiencia en la materia, una Anne Hathaway que siempre sabe como hacerlo y un Russell Crowe sorprendente. Sinceramente no puedo terminar sin antes reconocer a los fantásticos Sasha Baron Cohen y Helena Bonham Carter en plena forma al crear una química única. Por ellos esta odisea mejorable es altamente placentera. 

Por OSCAR CABRERA

CULTO FÍLMICO - MALDITA GENERACIÓN (THE DOOM GENERATION) - CRITICA

Guion y Dirección: Gregg Araki

Genero: Comedia/Drama/Erótica/Crimen

Año: 1995

País: EE.UU

Segunda película que forma la trilogía del apocalipsis adolescente con ‘Nowhere’ y ‘Totally fucked up’.

Un trio de jóvenes se ven envueltos en una sucesión de crímenes junto a encuentros sexuales entre ellos, mientras se entienden y meditan sobre la vida en el transcurso. Sus actos involuntarios por desgracia tienen cubertura televisiva, dando una resolución impresionante.

Estrambótica road movie que en su empaque de comedia negra, guarda una amoral y franca exploración sobre la apatía juvenil. Tenemos a unos personajes que no poseen certeza de su lugar en el gran esquema de las cosas, añorando ser ellos mismos en medio de una sociedad putrefacta y caótica. Las convenciones represivas de esta son el abono para germinar prejuicios ligados a la violencia como única expresión.

Como vehículo de búsqueda personal se plantea el sexo, mostrado sin tapujos y apelando a la honestidad de sus protagonistas buscando un nexo más allá del placer, sin las perversiones del corrompido alrededor que los rechaza. Contemplamos cierto énfasis en los gestos  con ciertas referencias alegóricas muy bien puestas en un recuadro estético pop underground muy contrastado, sobre todo en la cinematografía de algunas escenas con penetrantes colores complementarios.

Dificultades puede verlas el que espere tener una lectura literal del metraje, pero la verdad es que lo propuesto apuesta por una progresión sensorial. Elementos que parecen sobrantes, sean intérpretes, acciones recurrentes o secuencias que no se vuelvan a tratar en un montaje singular, en realidad se podrían interpretar como un compendio y convergencia  de la desintegración ética antes mencionada. Otros solo percibirán declives del guion.

Su lenguaje rupturista se sustenta y es correctamente llevada por sus actores en interpretaciones fluidas, que permiten simpatizar con ellos a pesar de lo súbito en algunos acontecimientos. Por sus reacciones acertadas hacen funcionar los gags cómicos exagerados.

Entonces con lo descrito puedo decirles lo único que me dejo desilusionado, el resultado fílmico plasmado no decide que pretende ser. Por el contexto podría seguir el sendero del histrionismo para conseguir  impacto inteligente en medio del delirio subversivo, sin embargo tenemos diálogos e interacciones cercanas al realismo, rebajando lo demás al mero absurdo superficial en lugar de una paradoja relevante en la siempre cambiante condición humana. Aun es entretenida con la desigualdad de tono.

Araki logra mejor congruencia narrativa en las posteriores ‘Splendor’ y la magnifica ‘Mysterious skin’. Pero eso no le quita merito a una propuesta interesante que puede llamarse de autor con total seguridad. Nada mal para su primera película heterosexual. 

Por ultimo, el cameo de Parker Posey fue genial. 

Por OSCAR CABRERA

DJANGO DESENCADENADO (DJANGO UNCHAINED) - CRITICA

Guion y Dirección: Quentin Tarantino

Genero: Western

País: EE.UU

Año: 2012

Django es un esclavo liberado por un caza recompensas alemán, hacen un trato para buscar a unos fugitivos, los hermanos Brittle, y cobrar la recompensa vivos o muertos. Luego de trabajar juntos durante el invierno, se embarcan en una búsqueda para encontrar a la esposa de Django, Broomhilda. La cuestión es que ella esta sometida y cautiva en la hacienda Candyland, cuyo dueño es el sádico Calvin J. Candie.

Era cuestión de tiempo para que Quentin abordara uno de sus subgéneros favoritos y con más tintes referenciales a lo largo de su corta pero rica filmografía, el spaguetti western. Sin embargo y como lo hiciera en la estimable ‘Bastardos sin gloria’, nos plantea otra historia de venganza en un marco histórico desprovisto de algún manido mensaje moral. Todos sus personajes, que están genialmente construido, están en similar condición ética al ser fieles a si mismos. Depende del espectador si los desea catalogar de antihéroes o villanos, pues Tarantino utiliza con habilidad arquetipos y les dota ciertas aptitudes para que simpaticemos con ellos, como siempre.

Esta vez no ha distorsionado mucho los paradigmas del contexto fílmico que homenajea, aun es placentera y detallada su interpretación, pero se siente menos transgresor. Justamente aquí es mas la auto-complacencia que en sus anteriores trabajos.

Siendo tan devoto a los códigos del lenguaje, nos brinda una progresión lineal clásica y equilibrada, descansando de la segmentación por capítulos. La experiencia del ritmo es comparable a ‘Jackie Brown’, notando solo una diferencia significativa, el montaje. Aquí la distribución de tomas no es propositiva, disminuyendo el impacto; puedo comprenderlo porque Tarantino perdió a su montajista de cabecera Sally Menke, que falleció. Aunque por ella piezas como ‘Pulp Fiction’ o ‘Kill Bill’ eran explosiones fantásticas, exacerbadas y llevaderas, el trabajo del recién llegado Fred Raskin también es coherente.

Que actuaciones tan completas encontré, la entrega es total, complementando bastante las preferencias melómanas deliciosas de su director. Logrando que escenas poco imaginativas se eleven casi a lo sublime, consiguiendo emociones. En serio fueron siete las veces que lleve mis manos a la boca por el asombro, con aspecto casi febril.

Espero concluir bien con lo siguiente: tiene una de las secuencia de tiroteo mas increíbles que he visto en años. De verdad quede tan feliz ver algo tan pulido y realizado al estilo de la vieja escuela, siendo ingeniosa en su ejecución para no confundir al espectador. Solo digo que tipos como Len Wiseman o Michael Bay podrían tomar apuntes.

Muestra de nuevo que la cinefilia de Quentin puede ser moderada para el gusto de todos, contando una historia con sobriedad, elegancia y contundencia. Siendo fiel a si mismo.  

Se agradece el cameo de Franco Nero y me reí con el de Jonah Hill.

Por OSCAR CABRERA

BONUS

Una de las canciones de la película.

ESTRENO TARDÍO - EL ATLAS DE LAS NUBES - CRITICA

Guion y Dirección: Andy Wachowski, Tom Tykwer y Lana Wachowski

Genero: Drama/Ciencia ficción

País: EE.UU/Alemania

Año: 2012

Basado en la novela homónima de David Mtichell.

Transcurre a través de los tiempos, desde 1849 hasta un entorno post-apocalíptico en el 2321. Indagando como los actos de vidas independientes influyen en el pasado, presente y futuro.

Me pregunté inmediatamente después del visionado como rayos podría a escribir sobre esta experiencia. Luego de ver unas notas rápidas que tome, intenté analizar lo que ha sido una locura valiente y sobresaliente, no exenta de algún que otro desigual conducto de ideas. Se comprendió lo pretendido, aunque  el contenido fue simplificado al no articular mejor su desenlace que pudo ser más trascendental.

Si resaltamos un planteamiento base, podría ser la posibilidad de que nuestras almas estén en contante suplemento, no obstante cuestionamos la conservación de la esencia y si lo siguiente es un hecho, ¿tendrán aun repercusión las acciones, sensaciones, e inclusive sentimientos a pesar de la re-estructuración antropológica u ontológica?

Con lo anterior solo tendremos mas disposición a sus elementos y como convergen según la libre interpretación del espectador de acuerdo a su filosofía vital. En ello radica su merito. Coherente con el núcleo del relato, abierto a debate y no solo en este film, ¿será entonces en verdad que sin importar lo que pase, nosotros como humanidad somos únicos responsables de nuestras decisiones, o nuestras praxis están inscritas desde el origen durante esta existencia o en la siguiente por las eras, y conservándose inmutables las conexiones con los demás participes?

No nos ofrece respuestas pero si pautas de guía reflexivas en un envoltorio variado pero inteligente, mas no totalmente efectivo. Comencemos con el montaje, del cual no me puedo quejar pues la distribución y articulación de las tomas son correctamente pensadas. Donde todas las situaciones, diálogos e intenciones corresponden al pasar la siguiente toma sin perjudicar la narración. Teniendo en cuenta que pasa en distintas épocas, esta conectada en su alternación espacio-temporal, sin embargo jamás hablo de ruptura. Se conserva lineal como valor conceptual adicional al mensaje abierto, ningún segmento es auto conclusivo.

Es relativo pensar que tantos personajes perjudicarían el ritmo. Pasa que algunos olvidan lo complejo que es desarrollar un carácter y al buscar un punto de enfoque, es normal relevar importancia. En mi opinión no era necesario repetir actores en otros roles, pudieron apelar a otros recursos parecidos a las manchas de nacimiento para establecer relación.

Me agrado mucho que sus tres directores encontraran sintonía y armonía estética con estilos tan marcados, Tykwer hacia lo lirico y los Wachowski en la preponderancia visual magnifica. Podemos verlo también como un ejercicio ecléctico que mezcla géneros cinematográficos.

Gratamente sorprendido por este gran trabajo en equipo en una exploración cuidadosa, que evita caer en puntos muertos e ir por lo fácil.

Por OSCAR CABRERA 

CULTO FÍLMICO - SERPIENTE DE JUNIO - CRITICA

Guion y Dirección: Shinya Tsukamoto

Genero: Drama/Experimental

País: Japón

Año: 2002

Rinko es una discreta mujer que ejerce de consejera telefónica en un centro de salud y esta casada con un ejecutivo, pero son muy distantes. Es un junio lluvioso, ella recibe una carta que contiene unas fotografías comprometedoras donde se explora sexualmente. Ahora el autor de las imágenes la chantajea para que ella cumpla sus requerimientos voyeristas.

Estrepitoso trayecto erótico con pasajes rodeados de sordidez. Guiado tan solo por la experiencia vital de unas almas cohibidas por los paradigmas morales, debatiéndose internamente para exhortar sus anhelos, aunque ausente de autorregulación para propiciar una transformación radical con génesis en la carne, hasta una re-configuración ética para un renacer del yo. Sobresaliendo del helado abrazo de los artefactos manejados como símbolo opresivo de la dependencia al rígido y complaciente juicio social que genera tanto desapego e indiferencia en estos individuos, cuya alternativa es el re-descubrimiento sexual.

Las secuencias surrealistas propuestas, son particularmente consecuentes con las fisuras emocionales de sus personajes capturadas en tomas tan duras como bellas. Que van al ritmo de su propio palpitar frenético mientras desean salir de su mascara monótona, mentirosa y represiva; representada por el metal (tecnología). Observé similitudes con ciertas constantes temáticas, desarrollo de personajes, o inclusive selección de tomas que realizo David Cronenberg en sus primeros trabajos, algunos aclaro.

Su progresión narrativa personal es conseguida por la correcta articulación de ideas implícitas. Presentadas directamente y variando los puntos de vista con el cambiable protagonismo de los actores durante las secciones del film, sin dejar la linealidad en pos de la catarsis final.

Quiero terminar tan solo exaltando  la carga expresiva de su director  y como su coherencia personal fue bien llevada. Su estética es muy cuidada y prolija a su manera, evitando caer en el tópico de otros realizadores, sobrecogimiento vano con imágenes aleatorias.

Por: OSCAR CABRERA

Dato adicional: Tsukamoto también actúa aquí e incluso en otras que no dirige, resaltando el caso de ‘Marebito’ de Takashi Shimizu.

CLÁSICO - LA CHICA DE LA FABRICA DE CERILLOS - CRITICA

Guion y Dirección: Aki Kaurismaki

Genero: Drama

País: Finlandia/Suecia

Año: 1990

Perteneciente a la trilogía del proletariado, formada por esta, ‘Ariel’ y ‘Sombras en el paraíso’.

Una joven solitaria llamada Iris, trabaja en una fábrica de fósforos realizando la rutina de control al etiquetarse las cajas. Luego de su jornada, debe soportar en casa la falta de cariño del padrastro y su madre. Por las noches sale intentando divertirse, sin embargo se conforma con alguna ínfima señal de contacto humano. Tal falta de experiencia le pasara factura, tomando un rumbo oscuro.

Estaba expectante y al finalizar los créditos me atrapo. Pero no con un primer plano o un monologo como usualmente me gusta para captar la atención, sino que de manera calma y llevadera tenemos una secuencia montada con fluidez como introducción al espacio, que ya de por si es opresivo, aunque también nos sirve como símil a la desoladora situación de su protagonista. En un pulcro minimalismo  donde la diégesis musical manejada con ironía y lo prescindible del dialogo en planos extensos, presenta situaciones sofocantes por la frialdad de los acontecimientos. Con personajes indiferentes e inclusive endurecidos dentro de un estatus quo agobiante.

La tensión se consigue cuando Kaurismaki nos desgarra con la tragedia de esta mujer cohibida, tan solo captando su cotidianidad enfermiza sin artificios dramáticos. En un lenguaje sobrio y dispuesto al efecto Kuleshov,  miramos casi anonadados  como el último destello de confianza y esperanza  se desvanece en ella, dejándonos extenuados con sus silencios matizados. Aquí en su minuciosidad al detalle concreto, menos es más.

Inmediatamente cuando observe los encuadres en trípode y paneos cuidados, saque de mi archivo cinéfilo a Jim Jarmusch con sus “Tiempos muertos” o momentos no dramáticos, que a pesar de las diferencias comparten el hecho de poseer personajes viviendo en un lapso muerto.  No saben donde ir, con certeza del fin.

Podrá pecar de fallas en sus disolvencias para mí, pero este alegato contra el lado negativo del modernismo industrial-social, logra importarnos gracias al elemento humano carente de solidaridad o afecto en constante vigencia. Sus elementos realmente confluyen para formular cuestiones y germinar ideas, evitando la provocación arbitraria. 

Por OSCAR CABRERA

FRAGMENTO

CLASICOS x DOS - TOKIO MONOGATARI Y OTRA MUJER - CRITICAS

Titulo puesto en español: Cuentos de Tokio

Dirección: Yasujiro Ozu

Guion: Kogo Noda y Yasujiro Ozu

Genero: Drama

País: Japón

Año: 1953

Es la historia de una pareja de ancianos originarios de Onomichi que van a Tokio de visita, donde residen sus hijos. Por desgracia ambos adultos mayores encuentran cierto rechazo por parte de ellos.

Una sensación tan universal como inevitable es sentir que el progreso nos abruma al ir envejeciendo, mientras una brecha emocional entre una generación a otra se extiende. Tanto que el desprecio seria incluso por suplica algo aceptable frente a la indiferencia. Así se podría pretender resumir en su conjunto esta pieza clásica de Ozu, que siempre mostró constante interés de plasmar en cada fotograma la eventualidad cotidiana durante su época con énfasis en los silencios.

Su ejecución como retrato es transparente al observar los acontecimientos, o costumbres de manera natural. Vemos el fenómeno familiar sin asomo de triquiñuelas dramáticas, reflejándose en lo sencillo del lenguaje pausado y meditativo con planos estáticos en su mayoría. Conduciendo e identificándonos hasta nuestros días.

Si bien la forma puede parecer añeja y elemental, el contenido aun sigue tan fresco como se imaginó cuando estas personas, no personajes, llevan implícitos en diálogos simples casi operáticos entre ellos y en impasibles rostros, esos sentimientos que incluso hasta hoy tenemos cautela de mostrar. Dando por sentado que aquellas personas que fueron y son esenciales para nosotros estarán siempre ahí a pesar del excesivo culto al yo. Relegando el cariño diciendo ocasionalmente un insulso “te quiero”.

Su puesta en escena permite una sobriedad en los detalles que apreciaras aun más al entrar en reposo narrativo. Espacios normales como una sala de estar o un parque crean conmoción sensitiva por su cuidado en la cinematografía, basado en lo real y nada estilizado como otros trabajos nipones posteriores.

Concluyendo, más viva y relevante que nunca. Nos recuerda que la apatía y la deficiencia comunicativa se incrementan a velocidad alarmante, viendo a nuestros adultos mayores casi como vestigios esfumados. Garantizo que en alguno de sus encuadres conmoverá corazones, imprescindible verla. 

TRAILER

Guion y Dirección: Woody Allen

Genero: Drama

País: EE.UU

Año: 1988

Marion es una celebre profesora universitaria de filosofía que toma un verano sabático para intentar escribir un libro. Alquila un modesto apartamento con tal de lograr mayor tranquilidad, pero se percata de un respiradero por el cual puede escuchar enseguida las sesiones de un psiquiatra. Ella se muestra reticente a escuchar al comienzo, aunque luego se involucrara fascinada por el existencialismo de algunos pacientes. Una regresión en particular induce a que examine su propia vida, recordando la austeridad de sus padres frente a su formación académica y como esto la mancillo sentimentalmente sin permitirle conectar con los demás.

Durante el poco tiempo que llevo comentando sobre cine, he escuchado detenidamente comentarios sobre cintas destacables en la filmografía de Allen Stewart Konigsberg, mejor conocido como Woody Allen, un humorista genialmente socarrón y agudo que tuvo suerte según él, logrando convertirse en el cineasta prolífico que conocemos con un sello de autor bien formado. Divagando en los recuerdos de esas tertulias, poco se menciona la que me gusta llamar “Trilogía femenina”; que consta de nuestra pieza de análisis, ‘Septiembre’ y ‘Hannah y sus hermanas’, la más “aclamada”. En llana opinión es difícil comprender por qué no se le adjudica un mayor valor a esta, cuando es claramente conspicua para mí frente a las otras dos por tener un guion solido que escruta las dudas internas acaecidas con fluidez.

Esta al servicio de una exploración sin paliativos a la protagonista, disponiendo como espectadores de un lenguaje hilvanado y balanceado que propone una leve ruptura espacio-temporal en la progresión narrativa. Nos ayuda para comprender a una mujer que se debate entre la confrontación de sus emociones en una máscara intelectual orientada al desapego y considerar la penitencia por alienar aquellas personas que han pasado por su vida. Proyectándolo incluso en un episodio onírico donde en una secuencia viable, más no lógica obviamente, se genera conciencia evitando convertirse en una epifanía facilista. Ahí es donde comprobamos una de las constantes de Allen en todo su esplendor, el psicoanálisis.

Nos brinda escenas con cierta inclinación al claroscuro estético que además referencia metafóricamente a su querido Ingmar Bergman. Pone en evidencia simbólicamente el contraste psicológico del personaje frente a otros que la complementan por lo bien construidos y desarrollados. Abonando causas para su condición.

Solo queda por decir que transmite la facilidad que posee su creador en cambiar de la comedia al drama con naturalidad y sin manipulación, vista en directores de encargo menos inspirados.

TRAILER

Por OSCAR CABRERA

CULTO FÍLMICO - TRIANGULO DE ORO: LA ISLA FANTASMA - CRITICA

Guion y Dirección: Jairo Pinilla Tellez

Genero: Aventura/Fantasía

País: Colombia

Año: 1984

Jack se dispone en altamar para salvar a su hermana raptada por unos mercenarios que buscan un triangulo sagrado de oro escondido en una misteriosa isla, llevando de polizonte en el barco a su sobrino sin saberlo. Al llegar todos enfrentaran peligros sobrenaturales con nefastas consecuencias.

En mi corta trayectoria analizando cintas como forma de mantener vigente mi ferviente cinefilia, he constatado lo mezquina y cruel que puede ser la crítica “especializada” en ocasiones al solo fomentar desprecio y subjetividad mal dirigida, plagada de apreciaciones superfluas en lugar del análisis ecléctico positivo. La cuestión, aunque sabemos que es relativa esta tarea, es jamás olvidar la objetividad respetuosa. Inicio con esto porque hoy fui participe en el visionado no solo de una imprescindible pieza del patrimonio fílmico de mi país, sino de un testimonio de perseverancia plasmada con valentía.

Durante la época de realización y proyección hasta la actualidad, siendo redescubierta para un sector contemporáneo, la película propone un entretenimiento con una tensión narrativa singular en su autor. Me da gusto destacar un manejo fluido del lenguaje en ciertas escenas con unos encuadres concretos y cuidados, perfecto para una trama sencilla. Puede ser que tenga para mí como espectador algún problema de ritmo, sin embargo logra involucrar a todos los demás que estaban en la sala dentro de sus inquietudes no solo temáticas, también estéticas con un montaje funcional.

Para ojos ajenos parecerá elemental, pero prefiero pensar que es cándida e ingeniosa cuando desea conseguir alguna acción, reacción o efecto especial con geniales ejemplos como animar plantas carnívoras, una secuencia muy lograda de artes marciales, e inclusive un acertado acompañamiento musical. Me sorprenden gratamente esos elementos por su carácter practico.

Sus Personajes poseen motivaciones discretas, siendo ideales para el contexto accesible. De verdad sentimos que a Pinilla le importamos como público cuando humildemente y sin tapujos quiere generar emociones, guiándonos por los efectismos en calidad de cómplices amenos. Percibiéndose meticuloso al crear suspenso hasta el sobresalto fino. Me hubiera gustado una ejecución menos dilatada y que en los intérpretes enfatizaran más  sus expresiones gestuales o actos para manifestar sentimientos. Por lo que a mi respecta es genuino, en cambio contemporáneos a él e incluso colegas actuales que teniendo mas recursos se muestran forzados y vacuos frente a su hiperactividad creativa. 

Concluyendo con este sentido y modesto análisis, intento incentivar en ustedes el como surge el valor que puede tener una obra; Jairo fue constante e incesante en su trabajo con una premisa como máxima, hacer cine diferente. Paso adversidades, tribulaciones y disputas que casi lo dejan en el olvido, instigadas por unos pocos que dicen regular pero censuran. Para nuestra fortuna perduró mas el ímpetu y la voluntad de culminar su visión, no la de otros. Eso es tener cojones.

Por OSCAR CABRERA

Si desean conocer algo del trabajo de Jairo Pinilla Tellez y su continuo combate contra los establecimientos, con gusto les dejo material documental.

FUNERAL SINIESTRO

AREA MALDITA

27 HORAS CON LA MUERTE

TRIANGULO DE ORO

HISTORIA MACABRA 

Documental

Parte 1

Parte 2

MILAGRO EN SANTA ANA - CRITICA

Dirección: Spike Lee

Guion: James McBride – Basado en su novela

Genero: Bélica/Drama

País: EE.UU/Italia

Año: 2008

Nos cuenta en retrospectiva las desventuras de un regimiento formado por soldados afroamericanos durante la segunda guerra mundial. Sobreviven cuatro luego de una masacre y quedan atrapados en una aldea italiana cerca de la toscana con un niño herido, recibiendo órdenes de capturar a un soldado alemán para obtener información. Aunque después su proceder se complica por la traición y el horror de la barbarie, hasta culminar de forma estremecedora.

Spike Lee se muestra mordaz aunque algo mesurado al mostrar las perpetuas injurias a este grupo,  algo poco habitual si tenemos en cuenta que su contundente filmografía esta repleta de alegatos bastante parciales  atacando la discriminación racial, ocasionalmente vale resaltar. Porque su mirada también ha plasmado otros episodios decadentes de la condición humana con ejemplos como el declive del núcleo familiar en ‘Fiebre salvaje’, o  la infidelidad ética frente a la banalidad globalizada en ‘Bamboozled’, inclusive la codicia en ‘He got game’ y ‘Clockers’; coexistiendo inevitablemente con apuntes contra estereotipos étnicos. Ahora en un exquisito y provocador dominio del lenguaje fílmico nos brinda un relato conmovedor orientado hacia lo espiritual carente de pretensiones.  

Es notorio el cuidado estético de Lee con los efectismos del montaje como la intertextualidad y la repetición de tomas, sin embargo aquí son aplicados congruentemente y desligandolos del toque satírico de su anterior obra, plasmando una interpretación lírica  La cinta es progresiva en narración, desarrollo interpretativo y en sustentación de ideas guiadas por una continuidad convencional; percibiéndose atropellada en partes que no aportan mucho a la trama, u otras donde se desea generar alguna respuesta sensorial y se alargan innecesariamente. Aquí es cuando extraño esas ‘Dolly shots’ de Spike recurrentes en su estilo visual.

Por fortuna el trabajo actoral hace llevadera la honesta experiencia. Los personajes son totalmente fieles a su lógica interna y bien definidos de acuerdo al entorno emocional construido, expresados crudamente en silencios expectantes, sublevados al dialogo. Por momentos me remite a la interesante ‘Big red one’ de Samuel Fuller.

Concluyamos que va mas allá de una pertinente cinta bélica e histórica, invitando a indagar en los entresijos de nuestro interior hacia el catalizador vital. Dispuesta siempre a la confrontación de criterios sin concesiones.

Por OSCAR CABRERA

ESPECIAL - VIOLETA DE MIL COLORES - CRITICA

Dirección: Harold Trompetero

Guion: Harold Trompetero y Eduardo Parra

Genero: Drama/Experimental

Pais: Colombia

Año: 2005

Una mujer cansada de existir sin propósito, prepara su escena de muerte rodeada por velas e inmersa en los pétalos que flotan en el agua de la bañera. Cuando flagela su muñeca con una cuchilla, recuerda fragmentos de su vida con momentos agobiantes, de júbilo, o simple introversión. En algún punto comprende que puede vivir siendo como es, de relativa manera.

Aquí la progresión lógica narrativa no tiene cabida. Es una experiencia sensitiva que sigue esta premisa, ‘La vida no tiene argumento’. La condición humana es muy compleja para plasmarla en un metraje, pero si es capaz de mostrarnos el tormento emocional de un personaje femenino tan solitario que ha escogido la efímera satisfacción de los placeres. Su angustia existencial resulta genuina por una desintegración del ser no confrontado, que solo podemos contemplar y sentir impotentes mediante la construcción de su lenguaje tan cambiante como sus emociones.

La intención conceptual toma como cimiento la interpretación tan visceral como autentica de su protagonista, Flora Martinez, brindando  una intensidad al personaje muy dominante de la puesta en escena y con matices cargados de las sensaciones más profundas. Una columna del film es un montaje simbólico en video que al utilizar filtros de imagen, repetición de tomas o alterando su velocidad, la hace llamativa visualmente en función de reflejar y expresar. Casi es un acercamiento semiótico.

Rompe las convenciones en su momento con una riqueza estética oblicua, cruda e impetuosa en constante búsqueda de algo concreto con instantes de éxtasis visual, como la mujer misma en analogía. Ella idealiza e implanta ideas contradictorias a su proceder interior, pues teme enfrentar sus cargas y darse cuenta de una identidad quebrada con un inconsciente corroído por el abandono.  Algunos diálogos geniales son dignos de comparar con los de ‘Transpoiting’ de Danny Boyle, sobre todo un monologo en soliloquio de Flora que guarda similitudes al de ‘La hora 25’ dirigida Spike Lee. En ellos vemos explicita una descarga justificada contra una colectividad abyecta, con seres vestidos de caparazones endebles de moralidad deformada. Sometidos a mentirse en lugar de reafirmar y vigorizar lo intrínseco.

Estamos ante un shock de sentimientos en gran-angular que nos golpea, dando las tantas facetas cercanas que tenemos todos reunidas en violeta. Ella efervescente hasta saturar con pureza y añoranza esa abrumadora amalgama vital de colores. La dirección de Trompetero se muestra creativa al resolver ciertas escenas libres de efectismos. Aprovechando esa libertad deseada y tan escasa en otras ocasiones cuando hace piezas anodinas de encargo producidas por Dago Garcia.

Por OSCAR CABRERA

Película completa - Parte 1 de 8

CULTO FÍLMICO - MAREBITO - CRITICA

Dirección: Takashi Shimizu

Guion: Chiaki Konaka (Basado en su propio libro)

Género: Terror/experimental

País: Japón

Año: 2004

Masuoka es un camarógrafo para televisión que ha grabado el particular suicidio de un hombre, cuya mirada denota espanto pero uno fuera de lo común. Al observarlo desea a toda costa comprender la causa de ese terror, creyendo encontrar indicios en los subterráneos de Tokio y luego de ciertas circunstancias descubre a una joven encadenada. El la lleva a su casa, la contempla postrada y ensimismada en su mutismo, mostrando un comportamiento casi animal. Después de extraños acercamientos, comprende que ella se alimenta de sangre y decide satisfacer la necesidad de su inquilina.

Es ambigua e inclasificable, manejando con maestría lo inquietante para volverlo estremecedor. Un desarrollo del suspenso ingenioso por la habilidad de su director, además de un buen guion por Chiaki Konaka, quien también hizo un trabajo genial escribiendo esa gran serie anime, ‘The serial experiment Lain’.

Apela a una atmosfera urbana aséptica para escrutar la apatía y sordidez en un deshumanizado sistema japonés. La indagación se da mediante un personaje desarraigado y condicionado, casi un ente absorto en lo único que puede anhelar, el miedo. Algo instintivo al no estar en contacto pleno con el yo, apartando el preconsciente.

Careciendo de herramientas emocionales para ahondar en él y de contacto humano por el desalentador ambiente, canaliza sus necesidades hacia un mundo interior en donde todos los elementos cognitivos del inconsciente, presentados en referencias literarias a Richard Sharpe, son preponderantes. Los delineamientos éticos y racionales son distorsionados a una magnitud imaginativa tal, que el espectador mismo no sabe si las creaciones fantásticas hacen parte del contexto de su realidad fílmica o estamos ante un registro esquizofrénico en una mente enajenada; gracias en parte al proceder social nipón, que no pareciera brindarle mucha importancia al elemento humano mas allá de los beneficios administrativos en corporaciones y tecnología. 

Hay sobriedad en su heterogeneidad visual cuando ejecutan transiciones pausadas del montaje entre escenas y tomas; con partes en video, filtros de imagen con disolvencia e incluso planos en croma. Proyectando con veracidad estilizada la difusa barrera antes mencionada, olvidando así las etiquetas para clasificarla. Por ello se transforma el argumento abruptamente, con una progresión inconstante que contempla instantes turbadores y nos abofetea luego con encuadres digitales  sobrecogedores e implícitos de palpable crudeza por el trabajo sonoro, dando rienda suelta a la subjetividad.

En definitiva, es un experimento sensorial que no te dejara siquiera mascullar. Buscando el terror psicológico más profundo y complejo de forma nada complaciente, desafiando nuestro sostén psíquico en un desenlace nada concreto. Shimizu consigue algo relativamente opuesto a su obra más conocida, la saga ‘Ju-on’ o ‘La maldición’ en español, pues en estas pretendía generar una cadena de sustos más elementales.

Por OSCAR CABRERA